Seleccione um país
clear
El Premio Popular Cervezas Alhambra representa nuestro vínculo con el colectivo artístico valenciano. Una iniciativa organizada a través de la plataforma Creación de Autor con la que Cervezas Alhambra se une a la meta de Abierto València de acercar el arte contemporáneo a los ciudadanos.
GALERÍA ESPAI TACTEL
Amanda Moreno
The Sky Was Made of Amethyst
GALERÍA ESPAI TACTEL
Amanda Moreno
The Sky Was Made of Amethyst
El trabajo de Amanda Moreno se acerca desde diferentes disciplinas a lo que
podría llamarse un conocimiento
"enciclopédico". De ahí la constante incursión en los sistemas de conocimiento,
que es utilizada por la artista para
producir subjetividades a partir de la adulteración o el
apropiacionismo.
En la obra de Moreno, el discurso de consenso queda suspendido, dando paso a la
proliferación de otras narrativas que
tienen su origen en la literatura o la ficción. Por otro lado, el error, la
confusión o el fracaso, despliegan todo su
potencial, instando a la mirada emancipada del lector que funda y gestiona su
conocimiento.
En estas prácticas es evidente el interés por los lenguajes abstractos de la
ciencia, el arte o la tecnología.
Estas enfatizan la doble relación de accesibilidad versus inaccesibilidad del
sujeto al conocimiento y su potenciación
como agente creativo. El juego entre el informe y lo ortopédico, la lógica y lo
irracional, es una constante que toma
matices interesantes en piezas como Hipótesis Púrpura I, que establece
paralelismos entre la hipótesis científica, la
psicología del color y la superchería. O en After Bouvard et Pécuchet, donde
establecen relaciones de libre asociación a
partir de imágenes de divulgación científica.
En definitiva, la obra de Amanda Moreno se descubre como un análisis de los
símbolos, gestos o dinámicas propias de su
contemporaneidad. En la que, más allá de la inscripción superficial, se sugieren
nuevas sensibilidades, corrientes de un
inconsciente colectivo que avanza anticipando cambios más profundos y
estratégicos.
GALERÍA PUNTO
Alberto Feijóo
2020
GALERÍA PUNTO
Alberto Feijóo
2020
“2020" está planteada como una ocupación del espacio físico y del espacio
virtual de la galería, como un relato sin fin.
"En 2020 podemos apreciar la capacidad mutante de la imagen que es tratada como
elemento a contemplar, leer o descifrar
y, a su vez, transformada en objeto de consumo. Una imagen que podemos habitar,
que tiene una función y que, en
ocasiones, se independiza del muro y vive otras vidas."
El proyecto 2020 busca cuestionar en primera persona ciertas estructuras rígidas
que dominan el sistema y que tienden a
homogeneizar tanto el fondo como la forma de la actividad creativa. Espacios de
transición donde los límites son
difusos, espacios indefinidos, inclasificables, donde se cuestiona a la
autoridad y que generan duda.
La idea de mise en abyme está muy presente en 2020, una imagen que está dentro
de otra imagen, donde los límites son
difusos y dónde se cuestiona tanto la identidad como las jerarquías.
En 2020 el arte es una herramienta que nos permite acercarnos a lo desconocido y
habitar ciertas realidades ajenas,
aunque sea por un tiempo limitado.
Bio:
Albertoo Feijóo es un artista visual licenciado en Comunicación Audiovisual en la
Universidad de Alicante.
Su trabajo se ha expuesto de manera individual en Sala Kursala de la Universidad
de Cádiz, en el Centro 14 de Alicante o
en la Galería Luis Adelantado de Valencia.
También ha participado en exposiciones colectivas en Centro Conde Duque Madrid,
Centro Cultural La Villa, en el marco de
PHotoEspaña14, Universidad de Puerto Rico, Sala Canal de Isabel II de Madrid o
Fotomuseum Winterthur en Suiza, entre
otras muchas.
Actualmente vive y trabaja en Londres donde cursa el postgrado MA Contemporary
Photography; Practices and Philosophies
en la University of Arts London (UAL).
SET ESPAI D_ART
Ana H. del Amo
A tres tiempos
SET ESPAI D_ART
Ana H. del Amo
A tres tiempos
Ana H. del Amo certifica un consciente desprendimiento de la omnipresencia
tecnológica, cuyo rastro se ha dejado ver
pocas veces en su trabajo, asociado a materiales y técnicas de corte a lo sumo,
para ensalzar los valores a escala
humana de lo manual artesano: lo familiar, cotidiano, próximo, de origen
elemental en la naturaleza, que demanda pericia
táctil y observación y actuación no vicarias, una suerte de ensayo y error
operativos y absoluta fisicidad del proceso.
Todo eso que hoy nos parece justo lo opuesto a la escala humana cuando en el
universo de rudimentos a nuestro servicio,
la pantalla y el teclado, con su asepsia operativa, se han convertido en lo
ordinario y mayoritario. “A tres tiempos”
viene a concentrar esto, multiplicando posibilidades e implicaciones en una
cascada de lecturas añadidas. Podríamos
aludir a esos tres elementos siempre presentes en su trabajo, y que se articulan
como tempos de actuación en sí mismos,
en un modo casi musical: forma, textura y color.
Guillermo Espinosa
Bio:
Licenciada en BBAA por la Universidad de Barcelona. Su práctica está asociada a
la corriente de pintura y escultura
expandidas. Expone de forma regular desde 2003, y entre sus exposiciones
individuales destacan “Muito Possivel” (Lisboa,
2018) o “Blue Note” (Parlamento de Extremadura, 2014). Ha expuesto
colectivamente en instituciones como el Centro
Cultural de España en México, Espacio Dorffi (Lanzarote); Estudio22 (Logroño),
el Museo de Cáceres o la Real Academia de
España en Roma, por la que fue becada en 2006. También ha recibido las becas
Krasner-Pollock Foundation (Nueva York,
2019), Casa Velázquez (Madrid, 2017) y Nautilus (Lanzarote, 2016). Su trabajo
forma parte de las colecciones DKV,
Nocapaper, Diputación de Alicante, Junta de Extremadura y de la Academia de
España en Roma, entre otras. Vive y trabaja
entre Cáceres y Madrid.
SHIRAS GALERÍA
Samuel Nieto
11,11
SHIRAS GALERÍA
Samuel Nieto
11,11
Una invitación a un camino de crecimiento interior, una oportunidad para que el
espectador reflexione sobre sí mismo con
cada una de sus imágenes a través del goce estético más directo.
La obra de Samuel Nieto siempre ha estado caracterizada por el protagonismo de
la línea en sus numerosas series, hasta
el 2019.
Llegados a la nueva serie que se presenta en esta ocasión podemos observar un
gran cambio en las composiciones. Los
universos caóticos han desaparecido para dejar paso a un triunfal orden
matemático. Por primera vez, en su obra la
racionalidad y la geometría son protagonistas en estos lienzos en los que la luz
se distribuye de forma ecuánime por
toda su superficie en dirección al infinito. En estas nuevas obras ya no solo
existe meditación en el momento de la
creación artística, sino que se ha conseguido crear unas imágenes para la
meditación en un momento posterior, durante la
acción contemplativa del espectador.
Álvaro Bayo
Bio:
Samuel Nieto es un artista internacional que actualmente reside y trabaja en
Berlín. Se licenció en el grado de Bellas
Artes por la Universidad Complutense de Madrid, junto con un máster realizado en
la misma universidad. Además, se formó
durante años en los talleres de diversos artistas como Santiago Ydañez e Ignacio
Uriarte, entre otros.
Sus obras han sido expuestas en diversos lugares de Alemania y Nueva York; así
como en diversos lugares del territorio
nacional (Madrid, Valencia, Bilbao, etc.). Además, su obra se ha presentado en
diversas ferias de arte y galerías,
destacando su participación en las últimas ediciones de la feria Hybrid Art
Fair.
GALERÍA CUATRO
Vinz Feel Free
La alegría de vivir
GALERÍA CUATRO
Vinz Feel Free
La alegría de vivir
"La alegría de vivir"
Cuenta la historia de cómo vivimos los días duros del confinamiento.
Lo que hicimos y también lo que dejamos de hacer.
La obra se divide en dos partes. La primera narra a través de composiciones,
diversas situaciones de los protagonistas
pasivos, aquellos que nos quedamos en casa. Los aplausos, la vigilancia, la
comunicación con el exterior, la cultura o
la pornografía y las drogas que consumimos, así como escenas cotidianas del día
a día.
La segunda parte, más onírica, nos muestra lo que no pudimos hacer. Los
festivales de música, los saraos, correr al aire
libre, los contactos sexuales o las drogas que no pudimos tomar.
Está es una exposición para recordar con orgullo cómo luchamos. Y también para
soñar con aquello por lo que vale la pena
seguir peleando: La alegría de vivir.
Bio:
Vinz Feel Free, (1979 Valencia) es un artista urbano, licenciado en Bellas Artes
en la facultad de Bellas Artes de San
Carlos, Universidad Politécnica de Valencia (2003).
En 2011, Vinz comenzó el proyecto 'Feel Free', en las calles y galerías de
Europa y EE.UU. El proyecto ha sido expuesto
en diversas galerías de Europa y América.
Ha expuesto en Centros Culturales como el Centro de Arte Contemporáneo Walter
Benjamin en Perpiñán o museos como el
Muvim, el Centro del Carmen de Cultura Contemporánea o el Louvre.
GALERÍA ROSA SANTOS
María Tinaut
Sin título, y todavía verano
GALERÍA ROSA SANTOS
María Tinaut
Sin título, y todavía verano
"Ayer hablé con un oceanógrafo que me contó que menos del ocho por ciento del
fondo marino está cartografiado. Además de
ser desconocido para los humanos, el fondo marino existe está en un constante
proceso en que se crea y se destruye a sí
mismo. Las placas tectónicas se quiebran en sus contornos y se alejan lentamente
unas de otras. El magma bulle de las
hendiduras hacia la superficie y, al enfriarse con el agua del mar se convierte
en roca. Esta roca pasa a ser parte de
la corteza terrestre, y así es como este proceso, denominado expansión del fondo
oceánico, comienza de nuevo.
Mientras me lo explicaba, pensaba en María Tinaut y en su archipiélago de
azulejos rotos, encontrados por el campo que
hay detrás de su casa. Las flores azules, que una vez estuvieron completas, son
ahora un lecho de pétalos rotos. Se los
llevó a su estudio para buscar por dónde podrían haber casado en origen las
líneas curvas y ya desdibujadas, en un
intento por volver a juntar las partes descasadas.
Texto escrito por Erin Johnson, traducción de Laía
Argüelles
Bio:
Vive y trabaja en Nueva York. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad
Politécnica de Valencia (2014) y con Máster
de Bellas Artes en Pintura por la Virginia Commonwealth University (2017).
Interesada en abordar todo aquello que sucede
en la periferia de lo que es aparentemente el centro de atención para subvertir
el carácter autoritario de la fotografía
de archivo, y desplazar la mirada hacia otras narrativas posibles. En este
proceso revela fracturas, huecos temporales y
del contexto en archivos fotográficos.
GALERÍA THEMA
Manuel Martí Moreno
Seres extraños
GALERÍA THEMA
Manuel Martí Moreno
Seres extraños
"La obra de Martí Moreno plasma una visión de la sociedad desde una vertiente
intimista y una esperanza humanista; cree
firmemente en la belleza, y eso lo lleva a creer en el ser. Es lúcida y
contemporánea, a pesar (o quizá por eso mismo)
de transitar por encima de los vaivenes de las tendencias con contundencia
conceptual y formal, y todo eso sin renunciar
a la poética.
Cada una de las piezas de la exposición mantiene una exigencia previa
fundamental: que se nos interrogue, que se nos
pregunte, a través de la propia figura. Es decir, que la búsqueda de las
respuestas que uno puede adivinar viendo arte,
legitima la necesaria experiencia de la contemplación"
Extractos texto Joan Feliu Franch
Bio:
Manuel Martí Moreno es licenciado en Bellas Artes. Desde el año 2000, ha
realizado exposiciones tanto individuales como
colectivas. Su obra está en las colecciones de Ayuntamientos como el de
València, Castellón, Villareal o Segorbe, entre
otros muchos.
Ha sido merecedor de varios premios como: III Certamen de Escultura SILVESTRE DE
EDETA, Ayuntamiento de Líria. Medalla
de honor XXº Premio López-Villaseñor, Ciudad Real. I Premio de pintura
“Juventud”, Ayuntamiento de Castellón. O Premio
Senyera de Escultura del Ayuntamiento de València
GALERÍA THE BLINK PROJECT
Ovidi Benet
Hipersuperficie
GALERÍA THE BLINK PROJECT
Ovidi Benet
Hipersuperficie
La exposición HIPERSUPERFICIE de Ovidi Benet (Denia, Alicante, 1990) enfrenta el
desencanto de una generación ante lo
establecido, lo mainstream como crítica hacia un mercado saturado, estándar y
obsoleto, carente de veracidad y
sinceridad, la hiperbolización de la estética neoliberal, la tendencia, la moda,
lo trashy o la cultura primitiva
digital de los 90’s.
Diseñador de formación y profesión, Ovidi Benet vive obsesionado con “el
interior del objeto”, llevándolo como tema
central de su propio statement: el objeto forma el espacio, el espacio es el
objeto.
En su obra busca ese cambio generacional que consiga revivir un espíritu de
rotura, de quiebro con lo establecido, con
lo académico. Ovidi aporta una visión distinta, provocadora y personal del
diseño. Una crítica social camuflada muy
sutilmente dentro de las piezas, que, pese a generarse de la aleatoriedad,
terminan siendo estéticas, convirtiéndose en
la crítica criticada.
Ismaël Chappaz
Bio:
Ovidi Benet se ha formado en el IED Madrid (Instituto Europeo di Design), en la
EASD de Valencia (Escola d’Art i
Superior de Disseny) en la Escuela de Arte y Diseño nº10 de Madrid y en la
Domaine de Boisbuchet en Lessac (Francia). A
esto se le añade la sugestiva carrera profesional. Una colaboración con
diferentes marcas, consultorías, estudios y
empresas como CuldeSac™, Batavia Decoración, Erico Navazo Estudio, Ovo Design,
etc.
GALERÍA LA MERCERÍA
Lucía Blas
What remains
GALERÍA LA MERCERÍA
Lucía Blas
What remains
What remains es el resultado expositivo de un proyecto que pretende indagar en
cuestiones como el residuo y la memoria
vinculada a lo autobiográfico. Así, Lucía Blas plantea construir un espacio en
el que recuerdos y vivencias se disponen
en la sala a modo de archivo en el que poder adentrarse. Un inventario personal
en el que restos de aquello vivido,
aquello que quedó, es registrado y expuesto. A través de la instalación se
materializan piezas en las que se hace uso de
anotaciones y transcripciones de la artista, destruidas, encapsuladas,
recompuestas y reconvertidas. Bloques que no
hacen sino recoger palabras pasadas como si de escombros se trataran, dándoles
una visibilidad a la que no estaban
destinadas. De esta forma, el proceso de trabajo se convierte en un modo de
adentrarse en las ruinas, como diría
Jean-Yves Jouannais, penetrar en ellas para así conocerlas y condenar a la
extinción el canto de su melancolía.
Bio:
Lucía Blas (Valencia, 1991) desarrolla su trabajo de manera interdisciplinar
centrándose fundamentalmente en conceptos
como la memoria y el residuo mediante los recursos que ofrecen tanto la pintura
como la instalación. Licenciada en
Ciencias Políticas y de la Administración por la Universitat de València y
graduada en Bellas Artes por la Facultat de
Belles Arts Sant Carles de la Universitat Politècnica de València, actualmente
se encuentra finalizando sus estudios de
Máster en Producción Artística en este mismo centro.
GALERÍA LUIS ADELANTADO
Nelo Vinuesa
Exposición colectiva “Territorio y refugio”
GALERÍA LUIS ADELANTADO
Nelo Vinuesa
Exposición colectiva “Territorio y refugio”
La obra de Nelo Vinuesa se enmarca dentro de la exposición colectiva “Territorio
y refugio”, que presenta la galería
Luis Adelantado en la presente edición de Abierto València.
“¿Qué quiere decir Aufklärung hoy en día?, ¿qué tiene que ver la Aufklärung con
el territorio valenciano?, ¿cómo generar
una muestra de proyectos artísticos de diferentes artistas contemporáneos dentro
del contexto de la Comunidad
Valenciana, los cuales transmiten una idea de refugio frente a la omnipotencia
del miedo, invocando ciertas ideas de
“magia” que no supondrían una reducción del ser humano al Unmündigkeit kantiano
entendido éste como “individuo no
autónomo”?
En la actual disolución del ser —que al mismo tiempo conecta con aquella
querelle ya existente en la Edad Media— aparece
un ser múltiple y complejo que se contradice y que sigue invocando aquel
imborrable «Ser o no ser, esa es la
cuestión...» como lema, golpeándonos la tensión social patente que mantiene y
rige la supuesta ideología dominante de la
“sociedad del conocimiento” donde la naturaleza es el “mal mismo” (aún) según el
progreso, y donde cada Aufklärung
parece generar una Contra-Aufklärung, esto es, una crítica al conocimiento.”
César Novella
Bio:
A lo largo de su trayectoria, Vinuesa ha sido premiado en diversos certámenes de
pintura de entre los cuales destacan el
Premio del Colegio de Gestores de Valencia (2008), el Premio Senyera (2015) o la
Bienal Mª Isabel Comenge (2017).
También ha sido galardonado con becas como la de la Casa de Velázquez (Madrid,
2015) y la Beca CAM de Artes Plásticas
para desarrollar “Wild Pulse”, su primer proyecto audiovisual (Londres, 2012).
Ha realizado exposiciones en galerías nacionales e internacionales, participado
en ferias y, paralelamente, su notable
interés por explorar nuevas disciplinas le ha llevado a colaborar con otros
artistas.
SHIRAS GALERÍA
Carlos Sebastiá
La evanescencia de lo cotidiano
SHIRAS GALERÍA
Carlos Sebastiá
La evanescencia de lo cotidiano
Entiendo la identidad como la solidificación de un instante o estado que aporta
una sensación de permanencia,
trascendencia y estabilidad. Este modelo, cuando se ve alterado, entra en
conflicto. Mi trabajo explora la topología de
nuestras ideas y como la mente genera espacios donde lo onírico se mezcla con la
subjetivación de la realidad,
reproduciendo un nuevo estado de cosas. Suponiendo que el cambio es un estado
continuo, investigo el papel del olvido
como elemento distorsionador y creativo. Al igual que la aparición de la
fotografía transformó nuestra manera de
entender los recuerdos y de comprender nuestro entorno. Durante la última
década, la digitalización de las imágenes y su
uso masivo y cotidiano a través de las redes sociales ha supuesto un giro
absoluto que aún no alcanzamos a ver en su
totalidad. El proyecto analiza el papel que juegan los sistemas digitales de
registro de la información visual y su
comparativa o relación con modelos clásicos analógicos a la hora de comprender
los límites entre lo real y lo ficticio,
entre el olvido y la reconstrucción de recuerdos.
Carlos Sebastiá
Bio:
Titulado en Bellas Artes de la Universidad Politécnica de València, estudió
también en CAFA (Academia Central de Bellas
Artes, Beijing) durante un año, y finalmente se mudó a Londres para su MFA en la
UAL (Universidad de las Artes de
Londres) que terminó con distinciones.
Ha expuesto en España, Portugal, Francia, EEUU, China, Austria y el Reino Unido,
en diferentes festivales, ferias de
arte o galerías.
Ha completado residencias de artistas en Islandia con motivo de la Bienal
Internacional de Arte Fresh Wind, Austria,
España, Reino Unido y China. Algunas de sus obras se encuentran en importantes
colecciones tanto privadas como públicas,
entre ellas, DKV Collection.
GALERÍA TUESDAY TO FRIDAY
Philip Gerald
Henry Matisse a cool life
GALERÍA TUESDAY TO FRIDAY
Philip Gerald
Henry Matisse a cool life
Los nuevos trabajos de Philip Gerald apuntan directamente a la figura del
Matisse, si bien no estamos ante un homenaje
ni tampoco ante una relectura irónica. A Gerald le interesan las capacidades de
las nuevas herramientas tecnológicas
para transformar nuestros modos de ver, y cómo estas herramientas operan al ser
aplicadas sobre obras emblemáticas de la
alta cultura. Este gesto, que parece un mero juego irreverente, esconde en
realidad una lúcida reflexión: si el arte ha
sido siempre una «realidad virtual», es decir, una producción de mundos
posibles, ¿acaso no es el ámbito de lo digital
el terreno idóneo para una concepción actual de la imagen plástica? De hecho,
Gerald problematiza esta cuestión cuando
traslada sus composiciones digitales al tradicional soporte pictórico: sus
figuras parecen haber sido elaboradas
digitalmente a través de un precario editor de imágenes. Sin embargo, su
traslado al lienzo parece gestionar, de manera
automática, una legitimación de su trabajo como indiscutible obra de arte.
Carlos Delgado Mayordomo
Bio:
Los cuadros humorísticos de Philip Gerald se remontan a una época de clip
art y pintura de Microsoft, de imágenes burdas
que se transmitían por todo el mundo a través de la majestuosidad de la
conexión telefónica a Internet. Vive y trabaja
en Dublín. Estudió Bellas Artes, Escultura y Cultura Visual en el Colegio
Nacional de Arte y Diseño de Dublín, antes de
abandonar en el tercer año para desarrollar sus habilidades como escritor.
Un personaje flemático, Gerald no se preocupa
demasiado por la forma en que su trabajo es recibido, sino que elige
centrarse en disfrutar del proceso.
GALERÍA VANGAR
María Marchirant
La bañera de la rusa
GALERÍA VANGAR
María Marchirant
La bañera de la rusa
Desde la talasoterapia o aprovechamiento de las propiedades terapéuticas del
agua del mar hasta el uso lúdico que de la
misma hacemos, se establecen una serie de vínculos entre los humanos y la acción
de bañarse en el mar.
En esta ocasión “La bañera rusa” recibe el nombre de un recoveco en el litoral
mediterráneo, suficiente para
introducirse en el agua a la sombra de las rocas. Este lugar, llamado así por
los locales, era el lugar predilecto de
baño de la mujer de un coronel zarista, que huyendo de la revolución rusa de
1917 fue a parar a esta zona costera.
Aparentemente los pescadores de la zona le pusieron este nombre por la costumbre
de la señora de bañarse desnuda. Esta
pequeña historia acompaña la narrativa de la exposición, en medio de la sala por
si alguien lo olvida, una escalera de
piscina nos da el acceso, quizás, a todo este universo flotante.
Bio:
María Marchirant graduada en Bellas Artes por la Universitat Politècnica de
València, completando su formación en la
Akademia Sztuk Pięknych en Krákow, Polonia. A su vuelta cursa el Máster en
Producción Artística en la UPV (2018).
Durante este periodo desarrolla un proyecto de investigación y producción que
toma el paisaje y la naturaleza como
coproductores en la pintura.
Sus obras, caracterizadas por el gesto del vertido y la aguada, han sido
seleccionadas en certámenes como PAMPAM!19 ,
PIAC (Nau Bòstik, Barcelona, 2017), en el Premio de Pintura Juan Francés (2016)
y cómo semifinalista en la Beca TFAC
(2017).
Hasta la fecha ha expuesto en muestras colectivas en València, Barcelona,
Madrid, Krakòw, Gdansk y Londres, entre otras
ciudades.
Desde 2018 trabaja con la galería de arte Vangar (València).
Cervezas Alhambra te invita a formar parte del arte en Abierto València, el evento en el que puedes conocer las principales galerías y artistas contemporáneos de la ciudad en un ruta muy especial. Si quieres más información sobre los participantes, horarios, etc.. puedes consultarla en la web del certamen.
Más información
Maestros del tiempo